lunes, 27 de febrero de 2012
Bauhaus
Introducción
La Bauhaus es una escuela de arte, arquitectura y diseño. Fue fundada por el arquitecto, urbanista y diseñador de origen germano Walter Gropius en Weimar (Alemania) en 1919.
De acuerdo con la página web Cultura Alemana (2007), en documento en línea, la palabra bauhaus proviene de Bau = edificio y Haus = casa. En otras palabras, dignifica “casa de la arquitectura”.
El mundo acababa de pasar por la Primera Guerra Mundial (conocida como la Gran Guerra). Se respiraba un aire de temor ante la amenaza del régimen comunista ruso. Por un lado, se difundían medios que apoyaban el sistema establecido por Marx y Engels y se presenciaban fuertes roces ideológicos entre los individuos izquierdistas y derechistas. Este acontecimiento influyó en la historia de la Bauhaus como se puede observar a continuación.
Historia
Cuando Gropius fue nombrado como el encargado de la escuela de arte en Weimar, tomó la decisión de combinar la Academia de Bellas Artes con la Escuela de Artes y Oficios para “unificar sus actividades y eliminar las diferencias entre artistas y artesanos”, como señala la Enciclopedia Hispánica Platinum (2003). La escuela fue bautizada como la Staatliches Bauhaus que significa “Casa de la Construcción Estatal”.
Para la fundación de la escuela, Fleming (1989), afirma que
…reunió un conjunto de estudios, talleres de máquinas, oficinas administrativas y casas de profesores en un grupo admirable de cubos entrelazados e interrelacionados. Las unidades menores tenían fachadas a lo Modrian; otros como el taller o sala de máquinas, eran estructuras abiertas con paredes de cristal (p. 355)
Varias personas supieron de la existencia de la escuela y comenzaron a matricularse. Ya el cuadro de profesores estaba formado, incluyendo al arquitecto Johannes Itten, quien dio unas palabras en la inauguración de la Escuela. Poco después, este profesor se encargaría del curso preparatorio que pasarían los alumnos al inicio de la carrera. Dentro de la escuela, existían diversos talleres como encuadernación, carpintería, textil, escultura, arquitectura, urbanización. Gropius adoptó la idea del arte como respuesta a las necesidades de la sociedad y para ello tomó los principios establecidos por William Morris -escritor y artesano inglés del siglo XIX- y el movimiento Arts & Crafts, como apunta Torres (2007).
En 1923, se celebró la primera exposición de la Bauhaus y los alumnos presentaron todo tipo de maquetas de viviendas. En esa misma fecha, se construyó una casa familiar, de forma cuadrada, con varias habitaciones pequeñas agrupadas alrededor de una mayor. Fue bautizada como la Casa Sommerfeld y fue el primer gran proyecto de la casa de estudios. Esta magnífica obra fue alabada por diversos críticos. Sin embargo, los conservadores tildaban a la escuela como “socialista” y generó todo tipo de protestas en su contra. Adicionalmente, reinaba en el país una crisis en el ámbito político. Esto obligó a Gropius a cerrar la escuela en abril de 1925.
La luz volvió a brillar para la Bauhaus cuando abrió sus puertas en Dessau, meses después de su clausura en Weimar. En este caso, fueron los alumnos y el propio Gropius quienes diseñaron el edificio. Rojas Alvarado (2006), en documento en línea, describe la nueva obra como “…muy revolucionario y modernista, el cual contaba con tres edificios en forma de “L” cada uno”.
En esta nueva sede, la enciclopedia en línea Wikipedia (2007), señala que se llevaron a cabo grandes fiestas en la Escuela “…generalmente temáticas (fiesta blanca, fiesta del metal, fiesta de los cometas) y casi siempre de disfraces, en cuya organización y diseño se trabajaba durante semanas.” Tenían como objetivo promover la relación entre la Bauhaus y los ciudadanos (ya que en aquel entonces todavía existían enemigos de la institución) y respaldar el trabajo en equipo y de cooperación para dejar de lado aquellos problemas que surgían en ella, gracias a la relación entre trabajo y vida privada.
Ya para 1928, el renombrado arquitecto alemán dejó la dirección a manos del suizo Hannes Meyer. Junto con Gropius, varios profesores también abandonado la Escuela. El nuevo director le dio al diseño un giro más realista. Se inclinaba hacia la tecnología y materiales y despreciaba la estética. Debido a su ideología marxista, fue suplantado por Ludwing Miës van der Rohe en 1930. El alcalde de Dessau fue quien le propuso a que tomara el mando. Además, el hecho haber tenido contacto anteriormente con la Escuela, fue otro punto a su favor para convertirse en el encargado de regirla.
A raíz de este acontecimiento, más cambios surgieron. Antiguos profesores se reincorporaron, la Bauhaus volvió a organizarse y se orientó hacia una “universidad vocacional”.
Cuando los nazis llegaron a Dessau 1932 y dejaron de ayudar financieramente a la famosa institución, se trasladaron a Berlín hasta que fue ordenada su clausura el 11 de abril de 1933 por las autoridades alemanas nazis. Su cierre se debía a que la Bauhaus era una institución privada considerara socialista, internacionalista y judía odiada por el gobierno nacionalsocialista.
Tanto Miës van der Rohe como los profesores y alumnos, perseguidos por el régimen recién electo, huyeron del país y se instalaron en Estados Unidos. Allí, Gropius fue nombrado profesor de la Universidad Harvard, mientras que Lazlo Moholy-Nagy -un profesor de la antigua Bauhaus- estableció el Instituto de Diseño de Chicago, conocida como la New Bauhaus (basándose en los principios de la Escuela cerrada por los nazis) y Van der Rohe influyó en la arquitectura de dicha ciudad. La Bauhaus se mantuvo “activa” hasta la Guerra Fría.
La Bauhaus es una escuela de arte, arquitectura y diseño. Fue fundada por el arquitecto, urbanista y diseñador de origen germano Walter Gropius en Weimar (Alemania) en 1919.
De acuerdo con la página web Cultura Alemana (2007), en documento en línea, la palabra bauhaus proviene de Bau = edificio y Haus = casa. En otras palabras, dignifica “casa de la arquitectura”.
El mundo acababa de pasar por la Primera Guerra Mundial (conocida como la Gran Guerra). Se respiraba un aire de temor ante la amenaza del régimen comunista ruso. Por un lado, se difundían medios que apoyaban el sistema establecido por Marx y Engels y se presenciaban fuertes roces ideológicos entre los individuos izquierdistas y derechistas. Este acontecimiento influyó en la historia de la Bauhaus como se puede observar a continuación.
Historia
Cuando Gropius fue nombrado como el encargado de la escuela de arte en Weimar, tomó la decisión de combinar la Academia de Bellas Artes con la Escuela de Artes y Oficios para “unificar sus actividades y eliminar las diferencias entre artistas y artesanos”, como señala la Enciclopedia Hispánica Platinum (2003). La escuela fue bautizada como la Staatliches Bauhaus que significa “Casa de la Construcción Estatal”.
Para la fundación de la escuela, Fleming (1989), afirma que
…reunió un conjunto de estudios, talleres de máquinas, oficinas administrativas y casas de profesores en un grupo admirable de cubos entrelazados e interrelacionados. Las unidades menores tenían fachadas a lo Modrian; otros como el taller o sala de máquinas, eran estructuras abiertas con paredes de cristal (p. 355)
Varias personas supieron de la existencia de la escuela y comenzaron a matricularse. Ya el cuadro de profesores estaba formado, incluyendo al arquitecto Johannes Itten, quien dio unas palabras en la inauguración de la Escuela. Poco después, este profesor se encargaría del curso preparatorio que pasarían los alumnos al inicio de la carrera. Dentro de la escuela, existían diversos talleres como encuadernación, carpintería, textil, escultura, arquitectura, urbanización. Gropius adoptó la idea del arte como respuesta a las necesidades de la sociedad y para ello tomó los principios establecidos por William Morris -escritor y artesano inglés del siglo XIX- y el movimiento Arts & Crafts, como apunta Torres (2007).
En 1923, se celebró la primera exposición de la Bauhaus y los alumnos presentaron todo tipo de maquetas de viviendas. En esa misma fecha, se construyó una casa familiar, de forma cuadrada, con varias habitaciones pequeñas agrupadas alrededor de una mayor. Fue bautizada como la Casa Sommerfeld y fue el primer gran proyecto de la casa de estudios. Esta magnífica obra fue alabada por diversos críticos. Sin embargo, los conservadores tildaban a la escuela como “socialista” y generó todo tipo de protestas en su contra. Adicionalmente, reinaba en el país una crisis en el ámbito político. Esto obligó a Gropius a cerrar la escuela en abril de 1925.
La luz volvió a brillar para la Bauhaus cuando abrió sus puertas en Dessau, meses después de su clausura en Weimar. En este caso, fueron los alumnos y el propio Gropius quienes diseñaron el edificio. Rojas Alvarado (2006), en documento en línea, describe la nueva obra como “…muy revolucionario y modernista, el cual contaba con tres edificios en forma de “L” cada uno”.
En esta nueva sede, la enciclopedia en línea Wikipedia (2007), señala que se llevaron a cabo grandes fiestas en la Escuela “…generalmente temáticas (fiesta blanca, fiesta del metal, fiesta de los cometas) y casi siempre de disfraces, en cuya organización y diseño se trabajaba durante semanas.” Tenían como objetivo promover la relación entre la Bauhaus y los ciudadanos (ya que en aquel entonces todavía existían enemigos de la institución) y respaldar el trabajo en equipo y de cooperación para dejar de lado aquellos problemas que surgían en ella, gracias a la relación entre trabajo y vida privada.
Ya para 1928, el renombrado arquitecto alemán dejó la dirección a manos del suizo Hannes Meyer. Junto con Gropius, varios profesores también abandonado la Escuela. El nuevo director le dio al diseño un giro más realista. Se inclinaba hacia la tecnología y materiales y despreciaba la estética. Debido a su ideología marxista, fue suplantado por Ludwing Miës van der Rohe en 1930. El alcalde de Dessau fue quien le propuso a que tomara el mando. Además, el hecho haber tenido contacto anteriormente con la Escuela, fue otro punto a su favor para convertirse en el encargado de regirla.
A raíz de este acontecimiento, más cambios surgieron. Antiguos profesores se reincorporaron, la Bauhaus volvió a organizarse y se orientó hacia una “universidad vocacional”.
Cuando los nazis llegaron a Dessau 1932 y dejaron de ayudar financieramente a la famosa institución, se trasladaron a Berlín hasta que fue ordenada su clausura el 11 de abril de 1933 por las autoridades alemanas nazis. Su cierre se debía a que la Bauhaus era una institución privada considerara socialista, internacionalista y judía odiada por el gobierno nacionalsocialista.
Tanto Miës van der Rohe como los profesores y alumnos, perseguidos por el régimen recién electo, huyeron del país y se instalaron en Estados Unidos. Allí, Gropius fue nombrado profesor de la Universidad Harvard, mientras que Lazlo Moholy-Nagy -un profesor de la antigua Bauhaus- estableció el Instituto de Diseño de Chicago, conocida como la New Bauhaus (basándose en los principios de la Escuela cerrada por los nazis) y Van der Rohe influyó en la arquitectura de dicha ciudad. La Bauhaus se mantuvo “activa” hasta la Guerra Fría.
Surrealismo
El Surrealismo comienza en 1924 en París con la publicación del "Manifiesto Surrealista" de André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad.
Siendo conocedor de Freud pensó en la posibilidad que ofrecía el psicoanálisis como método de creación artística.
Para los surrealistas la obra nace del automatismo puro, es decir, cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de control. Intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.
Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes. Preferirán los títulos largos, equívocos, misteriosos, lo que significa que importaba más el asunto que la propia realización.
Precedentes del Surrealismo
Los pintores se encontraron con precedentes en Los caprichos de Goya, en el Bosco y Valdés Leal, aunque los más inmediatos deben buscarse en el movimiento Dada y en Giorgio de Chirico, creador de la pintura metafísica.
Chirico crea un mundo enigmático que es reflejo de la desolación provocada por la guerra, que se percibe inquietante y desolador. En Héctor y Andrómeda, introduce maniquíes, únicos seres capaces de habitar sus plazas desiertas y calles que se sumergen en el infinito. La pintura de Chirico es el principal antecedente del surrealismo.
Chirico crea un mundo enigmático que es reflejo de la desolación provocada por la guerra, que se percibe inquietante y desolador. En Héctor y Andrómeda, introduce maniquíes, únicos seres capaces de habitar sus plazas desiertas y calles que se sumergen en el infinito. La pintura de Chirico es el principal antecedente del surrealismo.
Los artífices del surrealismo
Observamos dos vertientes. El surrealismo abstracto, donde artistas como Masson, Miró o Klee crean universos figurativos personales a partir del automatismo más puro. Y Ernst, Tanguy, Magritte o Dalí que se interesan más por la vía onírica, un surrealismo figurativo cuyas obras exhiben un realismo fotográfico, aunque totalmente alejadas de la pintura tradicional.
Futurismo
El Futurismo es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer decenio del S. XX mientras el Cubismo aparece en Francia. Gira en torno a la figura de Marinetti, quien publica en el periódico parisiense Le Figaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto Futurista. Proclama el rechazo frontal al pasado y a la tradición, defendiendo un arte anticlasicista orientado al futuro, que respondiese en sus formas expresivas al espíritu dinámico de la técnica moderna y de la sociedad masificada de las grandes ciudades.
Declaremos que el esplendor del mundo se ha enriquecido con una belleza nueva; la belleza de la velocidad. Un automóvil de carreras... un automóvil rugiente, que parece correr sobre una estela de metralla, es más hermoso que la Victoria de Samotracia
En 1910 ya se puede hablar de un grupo liderado por Marinetti. Trabajarán artistas como los pintores Russolo, Carrá, Boccioni, Balla o Severini. El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado, especialmente en Italia, donde la tradición artística lo impregnaba todo. Quieren crear un arte nuevo, acorde con la mentalidad moderna, los nuevos tiempos y las nuevas necesidades. Para ello toma como modelo las máquinas y sus principales atributos: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento y la deshumanización. Dignifica la guerra como espacio donde la maquinación, la energía y la deshumanización han alcanzado las máximas metas.
Sus ideas revolucionarias no deseaban limitarse al arte, sino que, como otros muchos movimientos, pretendían transformar la vida entera del hombre. La estética futurista difunde también una ética de raíz machista y provocadora, amante del deporte y de la guerra, de la violencia y del peligro. El futurismo fue politizándose cada vez más hasta coincidir con las tesis del fascismo, en cuyo partido ingresó Marinetti en 1919. En su manifiesto hay un punto que dice:
Queremos glorificar la guerra, única higiene del mundo, el militarismo, el patriotismo y el gesto destructor de los anarquistas, las bellas ideas que matan y el desprecio a la mujer.
La característica principal del futurismo es la plástica del dinamismo y del movimiento. El efecto de la dinámica se transmitía en vibrantes composiciones de color que debían producir un paralelismo multisensorial de espacio, tiempo y sonido. Al principio, se valieron para la realización de sus objetivos artísticos de la técnica divisionista, heredada del neoimpresionismo y más tarde se aplicó la técnica cubista de abstracción como procedimiento para desmaterializar los objetos. A partir de estas premisas, la representación del movimiento se basó en el simultaneismo, es decir, multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo, plasmación de las líneas de fuerza, intensificación de la acción mediante la repetición y la yuxtaposición del anverso y del reverso de la figura.
Buscaban por todos los medios reflejar el movimiento, la fuerza interna de las cosas, ya que el objeto no es estático. La multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película, pueden dar como resultado la impresión de dinamismo. Crearon ritmos mediante formas y colores. En consecuencia, pintan caballos, perros y figuras humanas con varias cabezas o series radiales de brazos y piernas. El sonido puede ser representado como una sucesión de ondas y el color como una vibración de forma prismática.
Los pintores extraen sus temas de la cultura urbana, máquinas, deportes, guerra, vehículos en movimiento, etc., eliminando progresivamente todo populismo o simbolismo.
Buscaban por todos los medios reflejar el movimiento, la fuerza interna de las cosas, ya que el objeto no es estático. La multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película, pueden dar como resultado la impresión de dinamismo. Crearon ritmos mediante formas y colores. En consecuencia, pintan caballos, perros y figuras humanas con varias cabezas o series radiales de brazos y piernas. El sonido puede ser representado como una sucesión de ondas y el color como una vibración de forma prismática.
Los pintores extraen sus temas de la cultura urbana, máquinas, deportes, guerra, vehículos en movimiento, etc., eliminando progresivamente todo populismo o simbolismo.
Dadaísmo
El Dadaísmo surge con la intención de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el mundo del arte. Es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético, ya que cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía. Se presenta como una ideología total, como una forma de vivir y como un rechazo absoluto de toda tradición o esquema anterior.
Está en contra de la belleza eterna, contra la eternidad de los principios, contra las leyes de la lógica, contra la inmovilidad del pensamiento y contra lo universal. Los dadaístas promueven un cambio, la libertad del individuo, la espontaneidad, lo inmediato, lo aleatorio, la contradicción, defienden el caos frente al orden y la imperfección frente a la perfección.
Proclaman el anti-arte de protesta, del shock, del escándalo, de la provocación, con la ayuda de medios de expresión irónico-satíricos. Se basan en lo absurdo y en lo carente de valor e introducen el caos en sus escenas, rompiendo las formas artísticas tradicionales. Se sirvieron también del montaje de fragmentos y de objetos de desecho cotidiano.
El origen del término Dadaísmo es confuso. La versión más aceptada dice que al abrir un diccionario al azar apareció la palabra dada, que significa caballito de juguete, y fue adoptada por el grupo.
El movimiento dada nació en un café cantante de Zurich en 1916, donde se recitaban poemas. Esta ciudad, se había convertido a partir del estallido de la Primera Guerra Mundial en un centro de refugio para emigrantes procedentes de toda Europa que querían escapar de la guerra. Allí se reunieron representantes de diversas escuelas como el expresionismo alemán, el futurismo italiano y el cubismo francés. Esto da al dadaísmo la particularidad de no ser un movimiento de rebeldía contra una escuela anterior, sino que cuestiona el concepto del arte antes de la Primera Guerra Mundial.
Hugo Ball, director de teatro y su mujer, concibieron el proyecto de crear un café literario que acogiera a todos estos artistas exiliados, el Cabaret Voltaire, que abrió sus puertas el 1 de Febrero de 1916. Allí se congregaron Tristan Tzara (poeta, líder y fundador del movimiento), Jean Arp, Marcel Janko, Hans Richter y Richard Huelsenbeck entre otros.
La difusión del dadaísmo se debió a la publicación de la revista Dada, que gracias a ella, sus ideas se extendieron por Berlín, Colonia, París y Nueva York.
Art Nouveau
El Art Nouveau fue un movimiento que se desarrolló principalmente en el campo de la arquitectura y de las artes decorativas entre 1894 y 1910. Inscrita dentro del llamado Modernismo europeo, esta corriente adoptó distintos nombres según las ciudades en las que hubo talleres representativos (Bruselas, París, Nancy, Viena, Barcelona, Nueva York, Glasgow y otras). Sin embargo, fue la denominación Art Nouveau, dada por Henry van de Velde en 1894, la que se impuso con el tiempo.
El Art Nouveau nació como una reacción polémica contra el academicismo y el eclecticismo del siglo XIX y no se enseñó en las academias. Más bien, se desarrolló en los talleres de artesanos, cuya inquietud era crear objetos que ofrecieran simultáneamente una utilidad práctica y un estímulo estético a los sentidos, característica ausente en los objetos producidos masivamente en las manufacturas industriales de la época.
Rechazando los estilos anteriores, los creadores del Art Nouveau tomaron su inspiración en los motivos y colores de la naturaleza (flores, conchas, ramas entrelazadas, nubes, humo, libélulas, mariposas, criaturas marinas, etc.) así como en la figura de la mujer, presentándola en su plena juventud, fuerte, sensual, semidesnuda, ofreciéndose provocativamente triunfadora a los ojos de quienes la contemplan.
El Art Nouveau nació como una reacción polémica contra el academicismo y el eclecticismo del siglo XIX y no se enseñó en las academias. Más bien, se desarrolló en los talleres de artesanos, cuya inquietud era crear objetos que ofrecieran simultáneamente una utilidad práctica y un estímulo estético a los sentidos, característica ausente en los objetos producidos masivamente en las manufacturas industriales de la época.
Rechazando los estilos anteriores, los creadores del Art Nouveau tomaron su inspiración en los motivos y colores de la naturaleza (flores, conchas, ramas entrelazadas, nubes, humo, libélulas, mariposas, criaturas marinas, etc.) así como en la figura de la mujer, presentándola en su plena juventud, fuerte, sensual, semidesnuda, ofreciéndose provocativamente triunfadora a los ojos de quienes la contemplan.
Arts and Crafts
El movimiento Arts and Crafts (literalmente, Artes y oficios) fue una escuela artística que surgió en Inglaterra a mediados del siglo XIX y se desarrolló en el Reino Unido y en los Estados Unidos durante los últimos años del siglo XIX y en los comienzos del siglo XX. Inspirado por la obra de John Ruskin, tuvo una segunda generación alrededor de 1880 y 1900.
El Arts & Crafts se asocia sobre todo con la figura de William Morris, artesano, impresor, diseñador, escritor, poeta, activista político y, en fin, hombre polifacético que se ocupó de la recuperación de las artes y oficios medievales, renegando de las nacientes formas de producción en masa. Aparte de William Morris, sus principales impulsores fueron Charles Robert Ashbee, T. J. Cobden Sanderson, Walter Crane, Phoebe Anna Traquair, Herbert Tudor Buckland, Charles Rennie Mackintosh, Christopher Dresser, Edwin Lutyens, Ernest Gimson, Gustav Stickley y los artistas del movimiento prerrafaelita.
El movimiento revaloró, en plena época victoriana, los oficios medievales, con lo cual reivindicó la primacía del ser humano sobre la máquina, con la filosofía de utilizar la tecnología industrial al servicio del hombre: potenciando la creatividad y el arte frente a la producción en serie. Se caracteriza por el uso de líneas serpenteadas y asimétricas, y constituyó sobre todo un arte decorativo.
Se trató de un movimiento estético reformista que tuvo gran influencia sobre la arquitectura, las artes decorativas y las artesanías británicas y norteamericanas, e incluso en el diseño de jardines.
En los Estados Unidos se usan las denominaciones Arts and Crafts movement, American Craftsman o estilo Craftsman para referirse al estilo arquitectónico y decorativo que predominó entre los períodos del Art Nouveau (el modernismo) y el art decó, es decir, aproximadamente entre 1910 y 1925. Sostenía que cada objeto debería tener o retomar algo del pasado, pero dándole un sentido elegante.
El artesano se vuelve operario o artista.
Revolución Industrial
Orígenes de la Revolución Industrial en Inglaterra
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| Caldera 1801 (ampliar imagen) |
Después de siglos de estancamiento en Europa, el crecimiento económico volvió a encontrar perspectivas muy favorables. La Revolución Industrial iniciada en Inglaterra a mediados del siglo XVIII, al cambiar las condiciones de producción, indujo un enriquecimiento espectacular que se fue generalizando con el correr de los años.
Un buen índice de este crecimiento fue su producción de hierro: 60.000 ton. en 1780; 300.000 ton. en 1800 y 700.000 ton. en 1830.
Es el mayor cambio que ha conocido la producción de bienes desde 1800 en Inglaterra. La aparición de las máquinas, instrumentos hábiles que utilizan energía natural en vez de humana, constituye la línea divisoria entre dos formas de producción. La producción maquinista creó las condiciones para la producción y el consumo en masa, característicos de época actual, hizo surgir las fábricas y dio origen al proletariado.
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| Locomotora a vapor 1829. |
La revolución industrial es el cambio en la producción y consumo de bienes por la utilización de instrumentos hábiles, cuyo movimiento exige la aplicación de la energía de la naturaleza. Hasta finales del siglo XVIII el hombre sólo había utilizado herramientas, instrumentos inertes cuya eficacia depende por completo de la fuerza y la habilidad del sujeto que los maneja. El motor aparece cuando se consigue transformar la energía de la naturaleza en movimiento. La unión de un instrumento hábil y un motor señala la aparición de la máquina, el agente que ha causado el mayor cambio en las condiciones de vida de la humanidad.
La aplicación de la máquina de vapor a los transportes, tanto terrestres como marítimos, tuvo una inmediata repercusión no sólo en procesos de comercialización, sino también en la calidad de la vida, al permitir el desplazamiento rápido y cómodo de personas a gran distancia.
La construcción de los ferrocarriles fue la gran empresa del siglo XIX.
Película Lautrec
Conocer la vida de uno de los pintores impresionistas más importantes de la historia, a través de su película biográfica, fue lo mejor que hice de esta semana. Hablo del francés Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901) y es lo que quiero compartir con ustedes este domingo, entre otras curiosidades.
Sus padres, que eran de la nobleza francesa, se casaron aunque eran primos hermanos, razón por la cual a Henri se le desarrolló un mal congénito que se le empezó a manifestar a los 10 años. Se trataba de una enfermedad llamada picnodisostosis, que se presenta como una debilidad en los huesos. Cuando tenía casi 15 años, sufrió dos fracturas en los fémures de ambas piernas, lo que le impidió crecer, fue así que se quedó con una estatura de 1.52 metros. Esto le generó una gran inseguridad durante toda su vida, aunque para sentirse mejor se burlaba de sí mismo.
Su padre era un gran mujeriego y acabó divorciándose de su madre cuando Henri era aún un niño. Él quedó a cargo de ella pero veía eventualmente a su papá. A los 13 años pintó su primer cuadro y tres años después, su primer autorretrato, donde se captó sentado, y no retrata sus piernas.
En 1881 se traslada a París, donde decide ser pintor con el apoyo de un tío y unos pintores amigos de la familia. En el estudio de León Bonnat, un retratista de moda, perfecciona su dibujo, pero el maestro le dice que lo hace de forma horrible. Un año después, este taller cerró, por lo que se cambió al del maestro Fernand Cormon, donde conoció a Vincent van Gogh y entabló una muy buena amistad con él (cuando Van Gogh se suicidó, a Lautrec le afectó mucho).
En el 84 se fue a vivir a Montmartre, donde su vecino era Degas y con quien también tuvo una muy buena relación. En ese lugar, a pesar de haber encontrado el amor con Suzzane Valadon (una bella mujer que posó para los grandes pintores de la época como Lautrec, Renoir y Degas), empezó a fascinarse por los prostíbulos y se inspiró en este tema para realizar varios de sus cuadros más importantes. Pintaba actores, bailarines, burgueses y prostitutas. Los dueños de los locales le pedían que dibujara carteles para promocionar sus espectáculos, algo que lo entusiasmó mucho y le dio fama. Así fue que empezó a vender bien sus cuadros y adquirir reconocimiento. Al relacionarse íntimamente con estas mujeres, contrajo sífilis, además de que ya era alcohólico y perdía la razón de vez en cuando.
En los 90 viajó hasta Londres en donde conoció y retrató de forma impactante a Oscar Wilde.
La vida desordenada que llevó durante años, así como su alcoholismo, deterioraron su salud. A partir de 1897 padeció manías, depresiones y neurosis, además de ataques de parálisis en las piernas y en un costado. Ese mismo año fue recogido de la calle donde se quedó dormido a causa de una borrachera y poco después disparaba a las paredes de su casa creyendo que estaban llenas de arañas. Sin embargo, seguía pintando sin problemas. En 1899 lo vuelven a recoger de la calle, totalmente alcoholizado y con autorización de su madre, lo internan en un sanatorio mental. Allí, para demostrar que no estaba loco, realizó una colección de pinturas con el tema del circo. Lo dejan salir para vivir en casa de su mamá, donde muere. En 1922, ella abre un museo dedicado a él, mismo que llegó a ser muy conocido y visitado.
Película Lautrec
Conocer la vida de uno de los pintores impresionistas más importantes de la historia, a través de su película biográfica, fue lo mejor que hice de esta semana. Hablo del francés Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901) y es lo que quiero compartir con ustedes este domingo, entre otras curiosidades.
Sus padres, que eran de la nobleza francesa, se casaron aunque eran primos hermanos, razón por la cual a Henri se le desarrolló un mal congénito que se le empezó a manifestar a los 10 años. Se trataba de una enfermedad llamada picnodisostosis, que se presenta como una debilidad en los huesos. Cuando tenía casi 15 años, sufrió dos fracturas en los fémures de ambas piernas, lo que le impidió crecer, fue así que se quedó con una estatura de 1.52 metros. Esto le generó una gran inseguridad durante toda su vida, aunque para sentirse mejor se burlaba de sí mismo.
Su padre era un gran mujeriego y acabó divorciándose de su madre cuando Henri era aún un niño. Él quedó a cargo de ella pero veía eventualmente a su papá. A los 13 años pintó su primer cuadro y tres años después, su primer autorretrato, donde se captó sentado, y no retrata sus piernas.
En 1881 se traslada a París, donde decide ser pintor con el apoyo de un tío y unos pintores amigos de la familia. En el estudio de León Bonnat, un retratista de moda, perfecciona su dibujo, pero el maestro le dice que lo hace de forma horrible. Un año después, este taller cerró, por lo que se cambió al del maestro Fernand Cormon, donde conoció a Vincent van Gogh y entabló una muy buena amistad con él (cuando Van Gogh se suicidó, a Lautrec le afectó mucho).
En el 84 se fue a vivir a Montmartre, donde su vecino era Degas y con quien también tuvo una muy buena relación. En ese lugar, a pesar de haber encontrado el amor con Suzzane Valadon (una bella mujer que posó para los grandes pintores de la época como Lautrec, Renoir y Degas), empezó a fascinarse por los prostíbulos y se inspiró en este tema para realizar varios de sus cuadros más importantes. Pintaba actores, bailarines, burgueses y prostitutas. Los dueños de los locales le pedían que dibujara carteles para promocionar sus espectáculos, algo que lo entusiasmó mucho y le dio fama. Así fue que empezó a vender bien sus cuadros y adquirir reconocimiento. Al relacionarse íntimamente con estas mujeres, contrajo sífilis, además de que ya era alcohólico y perdía la razón de vez en cuando.
En los 90 viajó hasta Londres en donde conoció y retrató de forma impactante a Oscar Wilde.
La vida desordenada que llevó durante años, así como su alcoholismo, deterioraron su salud. A partir de 1897 padeció manías, depresiones y neurosis, además de ataques de parálisis en las piernas y en un costado. Ese mismo año fue recogido de la calle donde se quedó dormido a causa de una borrachera y poco después disparaba a las paredes de su casa creyendo que estaban llenas de arañas. Sin embargo, seguía pintando sin problemas. En 1899 lo vuelven a recoger de la calle, totalmente alcoholizado y con autorización de su madre, lo internan en un sanatorio mental. Allí, para demostrar que no estaba loco, realizó una colección de pinturas con el tema del circo. Lo dejan salir para vivir en casa de su mamá, donde muere. En 1922, ella abre un museo dedicado a él, mismo que llegó a ser muy conocido y visitado.
Tarea sobre el Impresionismo
La primera tarea que tuvimos sobre el impresionismo fue un breve cuestionario e la plataforma de la escuela.
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